maleza

Estudio conformado por trabajadores de las artes especializados en gestión cultural, curaduría y montaje. Dirigido por Cecilia Quinteros Macció (curadora y gestora independiente) este estudio representa y busca visibilizar a artistas de nuestra provincia a nivel nacional. Además se proyecta como estudio cultural, entendiendo la profesión de las artes visuales como un campo de acciones con impacto sociocultural valioso para el intercambio disciplinario. Gestionamos propuestas, acompañamientos y acciones de difusión, con estrategias para formar parte de las escenas y mercados dentro y fuera del país.

Creamos proyectos con sentido y desde el sentir, desde nuestro anhelo de construir redes recíprocas. Recibimos becas y reconocimientos como el Fondo Nacional, organizamos exposiciones, seminarios y talleres de formación con profesionales como Andrés Paredes, Maria Laura Rosa, Laura Spivak, María Lightowler, Fernando Brizuela, entre otros. Fuimos parte de encuentros como el Foro de Arte Contemporáneo de Tucumán Museo MUNT/ JEIA Jornadas estudiantiles de Investigación en artes, creamos el premio CAPS de Arte (3 ediciones); participamos en Ferias de Arte como FAS Salta 2024/25, Feria A362 Resistencia/Chaco; Feria MAPA 2024, MAC Córdoba 2023/24, Arte Espacio, Mercado Cultural Tucumán, Arte Abasto Tucumán, OTRA FERIA.

Bio Cecilia Quinteros Macció – Directora

Licenciada en Artes (Fac de Artes UNT), curadora de arte (ESEADE BsAs) y gestora cultural (UNC). Ha realizado exposiciones en galerías, museos y ferias de arte de todo el país, ha sido jurado en Premios locales y Nacionales, y ha escrito para exposiciones y libros vinculados a las artes visuales y la gestión cultural. Fue directora del Museo de Bellas Artes “Timoteo Navarro” de Tucumán. Actualmente es directora de Estudio MALEZA Tucumán, forma parte de la Asociación Argentina de Críticos de Arte y del sitio Curaduría Profesional.

MARIA EUGENIA CORREA

Artista visual tucumana, licenciada en Artes Plásticas egresada de la Universidad Nacional de Tucumán. Participó en muestras individuales y colectivas entre las que se destacan: “En el Plexo, la Raiz”- Galería BIGA ART, Capital Federal. “365” – muestra individual en el Museo Provincial Timoteo Navarro, Tucumán. “Eclosión”, Borde Galería, Tucumán. “En Frecuencia” – Programa de Artes Visuales Norte Cultura expuesto en Catamarca, Jujuy, La Rioja, Santiago del Estero, Salta y Tucumán. “Dolls” – Museo de la Universidad Nacional de Tucumán, entre otros. Participó recientemente en Ferias Internacionales de Arte como ArteBA, Mapa, FAS entre otras.

Obtuvo premios en salones nacionales y regionales. Sus obras pertenecen a diversas colecciones privadas en países como Italia, Brasil, entre otros. Actualmente vive y produce en Tucumán.

NELSON VELARDEZ LAI

Artista visual tucumano, licenciado en Artes Visuales en la Facultad de Artes de la UNT y productor multidisciplinar. Participó en múltiples exposiciones colectivas en la provincia y en el país. Su obra fue seleccionada en diversos Salones siendo acreedor del Premio Estímulo Joven Artista en el 46° Salón de Tucumán para el Ámbito Nacional en el año 2018, del Museo de Bellas Artes Timoteo Navarro, entre otros.

Desde la auto referencialidad el artista inicia sus búsquedas en un continuo ir y venir entre técnicas, materiales y lenguajes plásticos. Ha realizado prácticas ligadas a la docencia y la gestión cultural. También participó en distintas ferias de artes como Mercado de Arte de Córdoba. Sus obras pertenecen a colecciones institucionales así como colecciones privadas locales y nacionales.

EMILIANO D’AMATO MATEO

Nació en Tucumán en 1988. Artista visual, licenciado en Artes Plásticas de la UNT e investigador independiente. A partir del 2007 participa en muestras individuales, grupales, salones y ferias. 18o Concurso Nacional UADE de Artes Visuales (CABA); 53o Salón de Artes Visuales Fernán Félix de Amador (Bs As); 1o Premio de Artes visuales de Yerba Buena (Tuc. año 2003); 50o Salón de Artes Visuales MUMBAT (Tandil-Bs. As.-año 2023); 66o Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano (CABA- 2022); 27o Salón de Arte Textil (CABA-2022); XLIXo Salón de Artes Visuales de Junín – MACA (Bs As año 2021)

Recibió Mención de Honor en el 53o Salón de Artes Visuales Fernán Félix de Amador (Bs As 2023); 1° Premio de Artes Visuales de Yerba Buena (Tucumán- 2023). Mención sin orden de mérito 50o Salón Nacional de Artes Visuales, MUMBAT Tandil (Bs As 2023). 2o Premio Caps de Arte- Proyecto nómade Galería El Cuarto Naranja- Tucumán, 2013. 1o Premio “Muy preciosa”- Salón Virtual del Bicentenario (MUNT – 2010) Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas del país.

AGUSTÍN FERREYRA

Artista visual nacido en Tucumán. Estudiante avanzado de la Licenciatura en Artes Visuales dictada en la Facultad de Artes UNT (2024)
Participa en la residencia Panorama 3° Edición , organizada en conjunto por el Ente Cultural de Tucumán, a través de la dirección de Artes Visuales, junto a la Facultad de Artes de la UNT. Actualmente cursando el Taller de Grabado como disciplina que me ha permitido una amplitud de conocimientos en el ámbito artístico, el desarrollo de temáticas que realmente me interpelan, el enfoque en presentaciones a convocatorias y gran intercambio social, así que merece ser destacada esta formación.

MARIA ROSA MAMANA

Artista nacida en Tucumán en el año 1953. Realiza estudios en la Facultad de Artes de la UNT donde se recibe de Licenciada en Artes Plásticas. Desde entonces, participa de diversas propuestas colectivas e individuales, exponiendo a nivel local, nacional e internacional, destacando su última participación en la exposición La función de la utopía en el Museo MArCo La Boca, Buenos Aires. También ha sido seleccionada en diversos Salones y Premios, recibiendo una Mención Especial Salón Vicentín de Artes Visuales de la Provincia de Santa Fé. Ha participado en ferias de arte como Arte Espacio, Otra Feria, BADA, MAPA, Mercado de Arte de Córdoba y la Feria de Arte de Salta. Sus obras son parte de colecciones privadas nacionales e internacionales, así como en acervos institucionales dentro de su provincia.

Sus obras pertenecen a colecciones institucionales así como colecciones privadas locales y nacionales.

GISELLE BLIMAN

Artista, Licenciada y Profesora en Artes Plásticas. Como parte de su formación obtuvo las becas de clínicas de obra realizadas por la Fundación Antorchas en dos oportunidades, teniendo como maestros a Pablo Siquier y Tulio de Sagastizábal y Graciela Sacco entre otro\as.

Continúo trabajando con diferentes medios y realizando exposiciones tanto individuales como colectivas, La última de ellas: CLARA, en la Galería Patio del Liceo en julio 2024. En el 2019 es seleccionada para el Premio Pintura de la Fundación Fortabat. En 2014 realiza la residencia para artistas Curadora Residencia, en la provincia de Santa Fé. En 2013 es becada para realizar la clínica de obra PAC en la galería Gachi Prieto. Participa de exposiciones, ferias, de manera individuale como colectiva También contó con la participación de una muestra y subasta artística en la plaza Reina de Holanda, Una colaboración de la Embajada del Reino de los Países Bajos, Philips, LALCEC, 2010.

FLORENCIA VIVAS

Artista y Arquitecta. Nació en Tucumán. Egresada de la Esc. de Bellas Artes de la UNT, cursó estudios en la Esc. de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (Bs As) y en la SUPSI (Scuola Professionale della Svizzera Italiana), Suiza.

Participó en diversas propuestas colectivas e individuales, Ferias de Arte exponiendo a nivel local, nacional e internacional, generando proyectos de gestión independiente y participando en diversos Salones y Premios de Artes en el país. Fue Secretaria de Extensión de la Facultad de Artes de la UNT y docente de la Universidad San Pablo T (San M. de Tucumán)

Diseñó y realizó obras en espacios públicos así como obras de pequeño formato para la Municipalidad de San Miguel de Tucumán, Tafí Viejo, Monteros, Secretaria de Estado de la Mujer, Secretaría de Relaciones Internacionales y otros organismos públicos de la provincia de Tucumán. Su obra se encuentra dentro del patrimonio artístico de la provincia y en colecciones privadas en nuestro país y el exterior.Artista y Arquitecta. Nació en Tucumán. Egresada de la Esc. de Bellas Artes de la UNT, cursó estudios en la Esc. de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (Bs As) y en la SUPSI (Scuola Professionale della Svizzera Italiana), Suiza.

LEONOR ASAR

Artista visual nacida en Tucumán, Argentina, en 1969. Dedicada especialmente a la pintura, el dibujo y el arte objetual. Se recibió de arquitecta en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la U.N.T. Se forma con distintos artistas como Yuyo Noé, Blanca Machuca, Andres Paredes, entre otros.

Desde 1997 realiza exposiciones colectivas e individuales en espacios independientes, Museos y galerías de arte en Tucumán, Buenos Aires, como así también en otras provincias argentinas y en el extranjero. Participa en salones y certámenes provinciales, regionales y nacionales. Sus obras se encuentran en colecciones privadas, en Argentina, Estados Unidos, España, Uruguay, Malasia, Singapur, como así también en bancos y entidades oficiales.

MARÍA ARAOZ

Artista nacida en Tucumán. Formada inicialmente en la Facultad de Artes de la UNT, continua su formación con reconocidos artistas visuales como Blanca Machuca, Alejandra Mizrahi, Silvia Turbiner, Andrés Paredes, Andrea Cavagnaro, entre otros.

Ha sido parte de talleres, clínicas y seminarios entre los que destaca el programa TAO (Taller de análisis de obra) conducido por Daniel Fisher en ODA Galería, Bs As. Y de EXTRAMUROS, taller de análisis de obras junto al artista misiones Andrés Paredes.

Expuso en diversos salones locales y nacionales, entre los que se destacan el Salón de Arte Contemporáneo del Museo de la Universidad de Tucumán, y en Buenos Aires el Salón Nacional de Arte Textil (CAAT, Centro Argentino de Arte Textil), y Salón Textil del Museo Sivori. En muestras colectivas asi como también devFerias de Arte como la Feria de Arte de Salta,entre otras. Sus obras integran colecciones privadas y se exhiben actualmente en galerías de arte como en Galería Marita Segovia de Madrid.

vasari

Fundada en 2005, VASARI se dedica a representar, exhibir y difundir la obra de artistas argentinos modernos y contemporáneos. Con especial interés en artistas que desde los años 60 abordan la investigación de los lenguajes plásticos, la galería promueve la experimentación de propuestas que buscan ampliar y renovar las posibilidades de la pintura, el dibujo y la escultura desde la contemporaneidad.

A través de la programación anual de exposiciones en su sala, la participación en ferias nacionales e internacionales, así como de su propio sello editorial, VASARI busca acompañar y fortalecer el crecimiento y actualización de sus artistas representados, y contribuir al desarrollo de la escena artística de Buenos Aires.

Desde sus comienzos, la galería se ha consagrado también a promover la producción de los primeros fotógrafos modernos en Argentina, en particular aquellos vinculados a “La Carpeta de los Diez”, una agrupación fundamental en la renovación del lenguaje en los años 50. En este sentido, VASARI trabaja en la consolidación del mercado fotográfico y la divulgación de la fotografía argentina, tanto en el ámbito local como internacional.

Desde 2008 la galería es miembro de AIPAD -Association of International Photographers Art Dealers- y desde 2016 integra MERIDIANO -Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo-.

Para su primera participación en la Feria Arte Pequeño Formato, Vasari propone presentar un conjunto de obras de artistas de diversas generaciones y con trayectorias muy disímiles, que han encontrado en la escala pequeña un espacio para el ensayo y el pensamiento, nutriendo sus producciones de gran formato u en otros medios.

JUAN JOSÉ CAMBRE

(Ramos Mejía, Buenos Aires, Argentina, 1948)

Se graduó como arquitecto en 1974 por la Universidad de Buenos Aires. Asistió al taller de Luis Felipe Noé y en 1976 realizó su primera exposición individual en la galería Lirolay.

En 1981 obtuvo el Primer Premio de Pintura del Salón Municipal Manuel Belgrano y una beca para radicarse en Nueva York durante el año siguiente. En los años 80 participó del grupo La Nueva Imagen con quienes formó parte del envío a la Bienal de San Pablo en 1985. En 1993 recibió el Primer Premio Amalia Lacroze de Fortabat y en 2005 el Primer Premio Trabucco. En 2025 recibió el Premio Nacional a la Trayectoria Artística.

Entre 1993 y 1995 realizó murales para 19 sucursales del Banco Credit Lyonnais. Formó parte de la Fundación PROA como vocal y es vicepresidente de la ONG Estación Pringles. Ha trabajado también en la escenografía de numerosas obras teatrales y óperas así como director de arte en la película El cielo del centauro de Hugo Santiago. Tuvo a cargo además la curaduría de exposiciones en las galerías Vasari, Hache y Gachi Prieto y en la Colección de arte Alec Oxenford.

En 2008 presentó el libro Cambre, una recopilación de sus obras hasta la fecha por Ediciones Vasari. En 2016 fue incluido en la selección de artistas que integra el libro Vitamin P3 de ediciones Phaidon.

Entre sus principales exposiciones individuales cabe destacar: Fiesta; Dot 51 Gallery, Miami; Mano de obra, Colección Amalia Lacroze de Fortabat, 2017; Un bárbaro en las sierras, Prisma KH, 2015; Desde el paisaje, Museo Caraffa, Ciudad de Córdoba y Museo Castagnino-MACRO, Rosario, 2014; Azul, Museo López Claro, Azul, 2013; Cromática, MACBA, 2013; Secesión, Galería Vasari, 2012; Novum Ovum, Universidad Torcuato Di Tella, 2012; Cambre 2010/2012, Museo de Olavarría; 2012; Espectadores de la Laguna, Centro Cultural Recoleta, 2008; Hogar Collection Gallery, Brooklyn, 2007 y 2005; Fondo Nacional de las Artes, 2003; El hombre invisible: veinticuatro estudios de color, Centro Cultural Recoleta, 2001; Fundación Federico J. Klemm, 2000; Casa de la Cultura Argentina en Milan, 1997; Galería Jacobo Karpio, San José de Costa Rica, 1991; Galería Adriana Rosenberg, 1988; Galería Jacques Martínez, 1984, 1987 y 1988; Galería Alberto Elía, 1981; Voy, Galería Arte Nuevo, 1977; Galería ArteMúltiple, 1976; Galería Lirolay, 1976.

Sus obras forman parte de numerosas colecciones nacionales e internacionales. Vive y trabaja en Buenos Aires.

MAURO KOLIVA

(Posadas, Misiones, 1977)

Licenciado en Artes Plásticas, egresado de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Misiones. Asistió a talleres, clínicas y seminarios con Sonia Abián, Mónica Millán, Francisco Ali-Brouchoud, Pablo Siquier y Tulio De Sagastizábal.

En el año 2004 impulsó junto al grupo La Pandorga el proyecto CAC (Centro de Arte Contemporáneo) en la ciudad de Oberá. En 2006 trabajó como Asistente de coordinación en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Misiones. En 2008 fue becado por el Fondo Nacional de las Artes.

Recibió el 2º Premio en el Salón Nacional de Dibujo 2016, y el 2º Premio del Fondo Nacional de las Artes; el Premio Igualdad Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación en 2014; una Mención en el Premio Braque 2013, Universidad de Tres de Febrero y una Mención en la categoría Dibujo del Salón Nacional 2012.

Desde 2013 tiene además un proyecto sonoro llamado “Bajobony”, que consta de una serie de instrumentos/objetos sonoros electroacústicos creados con lógicas singulares con los cuales ha participado en numerosas performances tanto en galerías de arte, universidades, centros culturales y museos como de recitales de rock, música experimental y espectáculos de danza contemporánea.

Desde el año 2003 ha participado en numerosas exposiciones en Argentina y el exterior. Entre sus principales muestras destacan: Errantes, Museo Quinquela Martín, 2018; Flasmagroom, Vasari, 2017; Bajobony II. Quinta Trabuco. Vivente Lopez, 2016; Field of action, Galería Artemisa. Nueva York, 2015; Planicie, Vasari, 2015; Territorio Ontológico Policial, Centro Cultural Recoleta, 2014; Bajobony, Vasari, 2014; “#27 de la serie Elefante” Museo YAPARÍ. Posadas Misiones, 2012; Nube Elefante, Centro Cultural Archibrazo, Buenos Aires, 2011; No, Vasari, 2010; Mudo, Centro Cultural Borges, 2009; Bajando por el lado difícil, Museo de Bellas Artes Rene Brusau, Resistencia, Chaco, 2008; The Fine Line”. Museo de las Americas. Colorado, USA, 2008; Primavera negra, Galería Asoc. Amigos Erik van der Grijn, Buenos Aires, 2008.

Obras suyas forman parte de colecciones privadas de Argentina, Brasil, Uruguay, España, México, Holanda y Estados Unidos.

Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

ALITA OLIVARI

(Buenos Aires, 1973)

Es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Prilidiano Pueyrredón. Realizó talleres y clínicas de análisis de obra con Malena Trosolino, Juan Doffo, Diana Aisemberg, Jorge Gumier Maier y Marina De Caro. En 2006 fue seleccionada para participar en el Taller de Discusión del Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires, Argentina.

Trabajó en diferentes obras de teatro y puestas, como escenógrafa, directora de arte y vestuarista, para directores como Santiago Loza y Anahí Berneri.

Desde finales de los años 90 exhibe su trabajo en distintos espacios. Ha realizado las muestras individuales: “Naif brutal”, Museo Histórico Provincial de Rosario “Dr. Julio Marc”, Rosario, 2022; “Un rectángulo amarillo pende justo de mi cara”, Galería Vasari, 2021; “Alita Olivari: Explorando la Colección #4. Alicia Carletti”, Colección Fortabat, 2019; “Entre el Cielo y la Tierra”, Edipo Antigüedades, 2015; “No puede verse a menos que esté cubierto”, Galería Reunión, 2014; “Semillas Mágicas”. Daniel Abate Galería, 2009; “Piccola Fantasy”, Daniel Abate Galería, 2007.

Entre sus últimas participaciones en exhibiciones colectivas se destacan: “Terapia”, MALBA, 2021, con curaduría de Gabriela Rangel, Verónica Rossi y Santiago Villanueva; “Mito, espectáculo y futuro”, Centro Cultural Recoleta, 2019; “El camino de ellas”, Pasaje 17, 2019 curada por Cristina Schiavi; “Lo que queda del daño”, Museo Histórico Provincial Dr. Julio Marc, Rosario, 2018, curada por Juan Laxagueborde; “Formas de Violencia”, CCK, 2017.

Su obra forma parte de colecciones privadas de la Argentina, Chile, México y Estados Unidos.

Vive y trabaja en Buenos Aires.

ALFREDO PRIOR

(Buenos Aires, 1952 – Buenos Aires, 2024)

Pintor, escritor, performer y músico. En 1970 realizó su primera exposición individual en la Galería Lirolay y al año siguiente ingresó a la carrera de Letras en la Universidad de Buenos Aires. En la década del 80, participó en numerosos proyectos conjuntos y formó parte de la exposición La anavanguardia en Estudio Giesso. En 1985 integró la representación argentina en la XVIII Bienal de San Pablo.

Realizó numerosas exposiciones individuales entre las que se destacan: El pequeño pabellón entre las plantas de melón, ICI, 1999; Antología, Museo Nacional de Bellas Artes, 1998; Tribulaciones de un chino en Roma y otras tribulaciones sobre papel, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2003; La guerra de los estilos, Museo Nacional de Bellas Artes, 2004; No toda es pintura la de los ojos abiertos, Museo Caraffa, Córdoba, 2010; Un verde pensar bajo una sombra verde, MALBA–Fundación Costantini, 2010; La felicidad en un minuto, MBA-MAC Bahía Blanca, 2014; Al Imperio de las Musas, Sala Cronopios, Centro Cultural Recoleta, 2015; Antológica, Museo Nacional de Bellas Artes, Neuquén y Museo Franklin Rawson, San Juan, 2016.

En 1997 presentó su primera performance, Rrose Sélavy desnudada por el Capitán Nemo, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Le siguieron Cómo resucitar a una liebre muerta (MAMBA, 1998), El gran bingo chino (ICI, 1999) y Jackson Pollock en el Amazonas (La Fábrica IMPA, 2004). En estas performances Prior trabaja sobre artistas del siglo XX como Marcel Duchamp, Joseph Beuys y Jackson Pollock.

En 2006 publicó Cómo resucitar a una liebre muerta, editado por Mansalva, que recopila algunos de sus textos de ficción. En 2012 publicó El triunfo de Adriano, editado por La Sofía Cartonera de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad Nacional de Córdoba, y dos años más tarde otro libro de poesía, Elegías del Dino, por la misma editorial.

En 2007 presentó el libro Alfredo Prior por Ediciones Vasari, una selección de sus obras a la fecha con texto de Rafael Cippolini.

Entre otras distinciones, recibió en 1987 el Premio de la Asociación Argentina de Críticos de Arte, el Segundo Premio del Premio Fortabat en 1988, el Premio Jorge Romero Brest en 1995, la Beca Antorchas en 2002, el Primer Premio en el IX Premio Nacional de Pintura del Banco Central en 2016, y el segundo premio del Salón Nacional de Pintura en 2017.

Sus obras integran las colecciones de Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes, Museo Franklin Rawson de San Juan, MNBA Neuquén, Museo Caraffa Córdoba, Museo Castagnino+MACRO Rosario, Colección Fortabat, Art Gallery of Western Australia, entre otras colecciones públicas y privadas, nacionales e internacionales.

SANDRA WARENBRON

Sandra nació en Argentina y emigró en 2020 a Francia, donde reside actualmente.

Estudió Bellas Artes en la Escuela Nacional de Bellas Artes P. Pueyrredón y Diseño de Vestuario. Durante 25 años, desarrolló su carrera en el sector de la moda, sin alejarse de la práctica artística. Continuó trabajando de forma ininterrumpida con diversos mentores, como Miguel Dávila, Eduardo Audivert, Rubén Grau, Juan Becú y Martín Reyna. En la actualidad, se encuentra dedicada exclusivamente a su trabajo artístico en su estudio de París.

Su obra hace referencia a emociones ancestrales, a sus viajes a lo largo del río Tigre: los tonos de verde y el cambio de estaciones. Trabaja sobre la memoria y la imaginación, reconstruyendo, casi de forma intuitiva, lo que la constituye.

Algunas de las últimas exposiciones en las que participó son: El Colectivo Onírico, Maison de l’Argentine, Paris, 2025; Las flores del mal, Vasari Sur, Central Affair, 2025; For your eyes only, Galerie Bubenberg, Paris, 2020.

aura

Esta propuesta celebra el trabajo pictórico original y atemporal de Germán Wendel y Abril Benitez en el que encontramos academicismo, oficio y poética característica.
Las pinturas presentan figuras híbridas entre lo humano y lo animal, en paisajes atravesados por la fantasía y ecos de la historia del arte. La pintura narra, reflexiona y construye atmósferas de contemplación y extrañeza.

Germán Wendel

Bio y Formación Principales exhibiciones individuales 2023.“Pinturas para cajas de bombones” ESAA Unquillo, Córdoba. 2018. “Shturmovik” Galería Walter, Buenos Aires. 2016. Muestra Individual Museo Emilio Caraffa, Córdoba. 2014. “Junio”. Galería Elsi del Río, Buenos Aires. 2013.“Pinturas”. Galería Holz, Buenos Aires. 2011. “Wendel Pinturas” Museo Evita, Buenos Aires. 2010. Galería Holz, Buenos Aires. 2004. Galería Praxis, Buenos Aires. 2003. Muestra individual Museo Genaro Pérez, Córdoba. 1999. Muestra individual Fundación Klemm, Buenos Aires. 1997. Galería Praxis, Córdoba. Principales exhibiciones colectivas 2013. Igualdad Cultural. Casa Nacional del Bicentenario, Buenos Aires. 2013. Arteba 2013. Galería Holz, Buenos Aires. 2012. Muestra en Consulado Argentino en NY, Galería Holz, New York, USA Salón Nacional de Pintura – Banco de la Nación Argentina, Buenos Aires. 2011. “Coleccionables VI” Galería Holz, Buenos Aires. Arteba 2011, Galería Holz, Buenos Aires. Arteaméricas, Galería Holz, Miami, USA 2010. Arteba 2010, Galería Holz, Buenos Aires. Arteaméricas, Galería Holz, Miami, USA Miami International Art Fair, Galería Holz, Miami, USA

Statement

Musée des Beaux-Arts – Wystan Hugh Auden Acerca del dolor jamás se equivocaron los Antiguos Maestros. Y qué bien entendieron su función en el mundo. Cómo llega mientras alguno cena o abre la ventana o nada más camina sin objeto. Cómo, mientras los viejos aguardan reverentes el milagroso Nacimiento, habrá siempre niños sin mayor interés en lo que ocurre, patinando en el estanque helado a la orilla del bosque. No olvidaron jamás que el eterno martirio ha de seguir su curso, irremediablemente, en sórdidos rincones donde viven los perros su perra vida y el caballo del verdugo se rasca las inocentes grupas contra un árbol. Por ejemplo en el Ícaro de Brueghel: con qué serenidad todo parece lejos del desastre. El labrador oyó seguramente el rumor de las aguas y el grito inconsolable; pero el fracaso no lo conmovió: brillaba el sol como brilló en el cuerpo blanco al hundirse en las aguas verdes. Y la elegante y delicada nave debió haber visto lo asombroso: la caída de un hombre que volaba. Mas el barco tenía un destino y siguió navegando en calma.

Abril Benítez Gonzalez (Buenos Aires, 1998)

Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes.
En 2019, se forma en Taller Scalabrini junto a Martina Krapp. En el año 2022, es seleccionada para exponer en el Premio “Prilidiano Pueyrredón”, en la Casa Nacional del Bicentenario, y en la muestra colectiva “Espacio Exterior”, en el Centro Cultural San Martín. Ese mismo año, realiza clínica de obra con Cecilia Soldano y participa del taller de pintura “El color que vino del espacio”, coordinado por Verónica Gómez.
En 2023, forma parte del programa “MANGLAR”, coordinado por Andrés Labaké, y de la muestra colectiva “Aquello que no debería estar aquí” en Galería Acéfala. Asimismo, realiza clínica de obra con Pablo Siquier.
En 2025, participa del programa de formación “Artistas x Artistas”, coordinado por Fundación El Mirador, y expone en Galería Gachi Prieto en el marco del “POP UP de Verano Vol. III”.

Marco conceptual
No podría encasillar mi obra. Me cuesta pensarla como algo cerrado, así como me cuesta imaginarme a mí como alguien definida. No me malinterpretes, tengo aspectos más arraigados que otros, pero difícilmente podría decir “mi obra es esto” porque siento que etiquetarla sería faltarle el respeto. No porque el acto de etiquetar esté mal en sí mismo, sino porque estaría inventando algo que no es. Así como yo no puedo decir que me considero únicamente pintora, no podría afirmar que mi pintura (hoy), es tal o tal otra cosa.
Sí podría decir que se acerca, o es un intento de mi parte, por ordenar aquellas cosas que me interesan. O quizás es un capricho para explorar o atesorar aquellas cosas que me distraen.
Sí puedo asegurar que es constante mi atracción por el aspecto ontológico de las cosas. Me obsesiono con pequeñeces, con la mera existencia. Me obsesiono con la luz que se escapa por la persiana para dibujar la pared de mi habitación. Me obsesiono con la muerte de personas que nunca conocí, y con encontrar una sustancia que se transforma con el paso del tiempo. Me hago preguntas que derivan en otras preguntas. Y es que la pintura, que quizás en otro momento fue fotografía, o performance o canción, es solo un proceder. Un medio para poseer respuestas. Respuestas que a su vez son subjetivas, y van mutando, como mi obra, y como yo.
Hoy creo que mi obra es texto, y es pintura. La pintura es archivo, un diario íntimo y un registro. Es un nudo en el pecho, pero también es un libro viejo, que encontré de casualidad en una librería de segunda mano. La felicidad en lo periódico y la ansiedad en lo desconocido. Es el sabor agridulce de las despedidas y el cansancio somnoliento de la dicha. Y mañana será como hablar con alguien que creía conocer, pero que, para mí, ya no es la misma persona que ayer.