Rolf Art, localizada en Buenos Aires y fundada en 2009 por Florencia Giordana Braun, es la única galería de arte especializada en imagen técnica en Argentina. Enfocada en las artes visuales latinoamericanas, la galería representa e impulsa un selecto grupo de artistas y legados (Estates) que exploran los límites de la imagen en sus diversas expresiones. El perfil curatorial de la galería indaga en la unión, siempre en tensión, entre las estrategias formales y la profundidad conceptual, desafiando la coyuntura y considerando el contexto político, social y económico de la producción artística como un factor determinante para la interpretación del arte. Con el fin de promover la producción y apreciación del arte contemporáneo, Rolf Art desarrolla un sólido programa global que comprende trabajos de investigación y archivo, exhibiciones, proyectos editoriales y audiovisuales, participación sostenida en ferias de arte y fotografía, encuentros de formación, colaboraciones institucionales y gestión de adquisiciones públicas y privadas; posicionando internacionalmente la obra de artistas latinoamericanos y contribuyendo a la legitimación de las expresiones visuales de América Latina en el mundo.
LUOGO galería nace en Rafaela, Santa Fe, en el año 2018. Está ubicada en la intersección de las calles 25 de Mayo y Mainardi en el tradicional barrio de inmigrantes italianos, Guillermo Lehmann. A sólo diez cuadras del microcentro, se emplaza en una esquina de tránsito y comunicación permanente con otros puntos de la ciudad. A partir de la recuperación y acondicionamiento de un antiguo depósito en desuso y con el objetivo de dialogar con el entorno, LUOGO condensa en su nombre la influencia histórica del barrio.
El espacio cuenta con una superficie total de treinta metros de largo por siete metros de ancho en la que se emplaza la sala principal con muros de 3,20 mts metros de alto. Separado por el patio interno, a continuación se ubica el gabinete para exposiciones experimentales y la trastienda, donde se exhiben las producciones de los artistas del staff.
LUOGO aspira a posicionar a las artes visuales en un lugar primordial dentro de la agenda cultural de la ciudad y la región centro del país. Desde su inicio se dedica a la exhibición, difusión y comercialización de producciones de artistas jóvenes, con una mirada nacional, y un gran compromiso en el acompañamiento de los proyectos artísticos desde su etapa de producción hasta su realización.
LUCILA PALLADINO
Artista visual, recibida de la Universidad Nacional del Arte de Buenos Aires (2018). En Oaxaca, México (2014) estudia Litografía, grabado y cerámica en el taller Rufino Tamayo. Realiza clínica de obra con Karina Granieri (2019) y Andres Labake (2020). Recibe dos años consecutivos las becas creación por el Fondo Nacional de las Artes (2021/2022) y beca Acciona del Círculo de Bellas Artes de Madrid (2024). Participó de la Bienal Nacional de Rafaela (2021) y diversos salones como Félix Amador (2019), MUBA Nacional de Chaco (2023), entre otros. Recibió la primera mención en el Salón Nacional de Bahía Blanca (2023) y fue seleccionada para realizar la muestra “El desastre que dibujamos” en el Centro Cultural San Martín(2023).
Realizó residencia artística Pozo, Buenos Aires (2021) y Espacio Amazonas, Madrid (2024). Actualmente se encuentra cursando el Máster en formación artística de la Escuela Sur, Círculo de Bellas Artes y la Universidad Carlos III Madrid.
Participa activamente de muestras y exposiciones, su obra es parte de colecciones públicas y privadas de todo el país.
Su obra está representada por Galería Luogo, en Argentina.
LOURDES TOMAGHELLI
Santa Lucía, Buenos Aires, 1994. Actualmente vive y trabaja en Rosario, Santa Fe. Estudió Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Nacional de Rosario con orientación en pintura. Participó como ayudante de cátedra de Pintura I, dictada por Claudia del Río.
Entre el 2020 y 2022 asistió al taller de dibujo Un Triángulo y una Calavera coordinado por Pauline Fondevila y Silvia Lenardón.En el 2020, participó del programa de artistas PALA de la galería LAVA, coordinado por Nancy Rojas. Se formó en talleres y clínicas junto a Guillermo Ueno, Paola Vega, Ana Beatriz Gallardo,Juan Mattio, entre otros.
Su obra ha sido expuesta en muestras individuales y colectivas tanto en Rosario, Rafaela y Buenos Aires.
Este año inauguró su muestra Ojo de agua con texto de Lara Marmor. En el año 2022 realiza “Pensamientos de felicidad”, su primera muestra individual en Galería Luogo, Rafaela. Como muestras colectivas se destacan, Quincena de Arte Rosario, Subsuelo Galería, Cerrando Boliche, El Club y La gente está rara, en Desmayo Galería, Rosario. En el año 2021 fue parte de Abecedario Emopandémico, Intervención Museo Marc, Rosario, Explorar el Azar 8, Bon Scott, Rosario y Entre la dimensión procesual y la conversación infinita, Museo Municipal de Arte, Rafaela, Santa Fe
Desde el 2021 coordina y gestiona junto a colegas un espacio de talleres y muestras llamado El Club, en la ciudad de Rosario.
GERMÁN GONZÁLEZ HOLC
Tucumán, 1991. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Córdoba, Argentina. Arquitecto egresado de la Facultad de Arquitectura Urbanismo y Diseño de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC). Realiza un acuerdo de doble titulación en la Universidad de Salerno, Italia. Lugar donde reside por un periodo de dos años, especializándose en restauro y construcción obteniendo el título de Ingeniero Edile.
En el año 2022 cursa el Programa de formación en Arte, Curaduría y Teorías Contemporáneas en la Universidad Nacional de la Plata, formándose con Lucas Di Pascuale, Jimena Ferreiro, Dani Zelko, entre otros.
Durante el 2023, asistió al taller de Pintura y proyectos artísticos de Gerardo Oberto.
Desde el año 2020 aborda sus trabajos desde la instalación y la relación con el espacio, invitando al espectador a ser parte activa de sus obras.
Su obra forma parte colecciones públicas y privadas de Argentina, Chile, Estados Unidos, España e Italia.
Es parte del staff de artistas de la galería LUOGO.
La galería es una plataforma dedicada al arte argentino moderno y contemporáneo, enfocada en acompañar procesos artísticos, construir contexto y activar nuevas formas de circulación en diálogo con la escena internacional. Desde 2007 desarrolla una práctica integral que articula investigación, exposiciones, proyectos editoriales y participación en ferias, consolidada en 2023 con la apertura de su espacio en Villa Crespo, Buenos Aires.
A través de un programa que cruza generaciones y lenguajes, y mediante iniciativas de residencias y mentorías de alcance internacional, la galería promueve la inserción de sus artistas en redes ampliadas de producción, circulación y coleccionismo contemporáneo. Formamos parte de MERIDIANO (Cámara Argentina de Galerías), dentro del circuita de Villa Crespo. Representamos a un staff fijo de artistas como Cristina Hauk, Iliana Regueiro, Francisca Garriga, Adriana Carambia, Mariangeles Blanco, Miguel Angel Lorenzio, Sarana Juarez Estrada, entre otros artistas invitados que completan el proposito de la galeria. Realizamos cinco exposiciones al año, variando entre individuales y colectivas.
Durante 2026 Abrimos la temporada con Mercedes Larreta (del 25 de marzo de 2026 al 28 de abril de 2026) “El alma mínima de un junco acaricia la fuerza del agua” – continuando con Dina kawer en VARados muestra que continua hasta el 20 de junio. 2025: “Cauces Desconocidos” – Sisa Soldati y Agustina Fuster (del 29 de marzo al 07 de junio de 2025), “Recinto” – Miguel Angel Lorenzio (del 14 de junio al 09 de agosto de 2025) “Indicios del Cuerpo” – Adriana Carambia (del 23 de agosto al 16 de octubre de 2025), “Ornamento, Agasajo, Ofrendo” – Mariangeles Blanco (23de octubre al 15 de diciembre de 2025). Hemos participado en ferias nacionales e internacionales como JustMad (Madrid), Summa Mallorca, MAPA, BAphoto, Pinta Miami, AFFAIR, FAS, MAC, entre otras.
MIGUEL ÁNGEL LORENZIO
Su obra se desarrolla a partir de una profunda exploración del sonido, la memoria y la materia como territorios sensibles de creación. Desde una práctica que combina escenas, instalaciones, pinturas y objetos, investiga la capacidad de los sonidos para despertar imágenes y revelar dimensiones ocultas de la experiencia cotidiana. Su producción parte de la idea de que los objetos y materiales conservan huellas de otros tiempos, registros invisibles que permanecen latentes en muebles, paredes, pisos y elementos domésticos.
A través de su trabajo busca recuperar esas resonancias y transformar aquello que permanece oculto en una experiencia visual y espacial. Entiende el proceso artístico como una forma de escucha y traducción, donde el sonido funciona como un archivo vivo capaz de traer al presente memorias, presencias y relatos olvidados. En sus obras, la materia aparece atravesada por una carga poética y simbólica que conecta pasado y presente, realidad e imaginación.
Su lenguaje artístico se construye desde la relación entre lo sonoro y lo visual, creando atmósferas donde emergen mundos antiguos, fragmentos de memoria y señales encriptadas. De este modo, su práctica propone una reflexión sobre la capacidad de los materiales para contener historias y sobre el arte como espacio de aparición de aquello que normalmente permanece invisible.
ADRIANA CARAMBIA
Su práctica artística se centra en una investigación profunda sobre el sujeto, sus zonas ocultas y aquello que permanece fuera del lenguaje. A través de distintos soportes y materiales, desarrolla una obra que explora las tensiones entre lo visible y lo invisible, entre lo que puede ser nombrado y aquello que todavía permanece en estado de silencio o inquietud. Su trabajo propone una aproximación sensible a las huellas emocionales, los fragmentos de memoria y las marcas que atraviesan tanto a los cuerpos como a los objetos.
Trabaja con materiales cargados de historia y significado, como vidrios marcados por acontecimientos violentos, papeles frágiles que evidencian el desgaste y la ruptura, objetos heredados y elementos vinculados a experiencias afectivas y personales. También incorpora la barbotina cerámica como una materia capaz de conservar gestos primarios y memorias ligadas al aprendizaje de la escritura. En su producción, los materiales nunca funcionan como soportes neutros, sino como cuerpos sensibles que contienen experiencias, tensiones y relatos latentes. Su obra se configura como una forma de escritura expandida, un sistema de inscripción construido a partir de la materia, el gesto, la fractura y la huella. Más que representar o traducir significados cerrados, sus piezas buscan señalar bordes posibles alrededor de aquello que el lenguaje no logra abarcar completamente. Desde esa perspectiva, la creación artística aparece como un espacio donde pueden emerger formas de lo indecible.
En sus trabajos le interesa especialmente el umbral entre la fragmentación y la inscripción, entre la voluntad del material y la intervención artística, entre la oscuridad persistente y las marcas que permiten enfrentarse a ella. El vínculo con el espectador ocupa un lugar central dentro de su práctica: la obra se completa en el encuentro con quien observa, habilitando interpretaciones atravesadas por las experiencias, memorias y zonas sensibles de cada individuo.
CRISTINA HAUK
Artista visual argentina cuya producción se inscribe dentro de la abstracción geométrica y el arte cinético contemporáneo. Su obra investiga las relaciones entre forma, color y percepción a través de composiciones construidas con figuras geométricas repetidas, capaces de generar movimiento óptico, ritmo y tensión espacial. Inspirada por las posibilidades de transformación que surgen de la interacción entre elementos simples, desarrolla un lenguaje visual donde la geometría funciona como un sistema dinámico y sensible.
A lo largo de su trayectoria ha trabajado principalmente con pintura, gráfica, objetos e instalaciones, explorando la capacidad de las estructuras geométricas para producir experiencias perceptivas vinculadas al cambio, la divergencia y la relación entre individuo y entorno. En muchas de sus series, como “Circular” o “Puntos de Vista”, la repetición de formas y variaciones cromáticas construye universos ópticos donde el movimiento depende de la mirada y de la posición del espectador.
Su producción establece un diálogo con las tradiciones de la abstracción geométrica argentina y el arte cinético, retomando investigaciones sobre la percepción visual, la espacialidad y la participación activa del observador. A través de combinaciones precisas de color y estructura, sus obras generan vibraciones visuales y desplazamientos perceptivos que transforman la superficie en un espacio en constante mutación.
ILIANA REGUEIRO
La obra se desarrolla en una práctica centrada en la exploración del espacio, la percepción y las formas en que lo que habitamos y que también nos constituye. Su obra se articula a través de series en las que la abstracción geométrica, el color y la construcción de planos espaciales funcionan como herramientas para pensar experiencias sensibles vinculadas al recuerdo, la transformación y la transición.
En series como “diálogo-construcción-umbral” y “Umbral”, su trabajo aborda el espacio como una instancia inestable, construida a partir de recortes geométricos, cruces de líneas y perspectivas deliberadamente imperfectas. En algunas obras aparecen referencias sutiles a lugares vividos o transitados, mientras que en otras la imagen se reduce a estructuras mínimas, donde el sentido espacial se vuelve más abstracto e indeterminado. Esta reducción progresiva lleva la obra hacia una síntesis visual en la que el espacio deja de representar para convertirse en experiencia.
La noción de umbral es central en su producción y se entiende como un estado de transición donde algo sucede más allá de la voluntad del sujeto. Es un territorio intermedio entre lo que se reconoce y lo que se desconoce, entre la forma y su disolución. En este sentido, sus obras proponen espacios de observación, silencio y suspensión, donde el vacío no es ausencia sino presencia activa.
En la serie “Promesas”, Reguiero continúa esta investigación desde una dimensión más poética y reflexiva, donde el espacio se vincula con la idea de lo que está por venir, lo que se insinúa o lo que permanece en tensión. Aquí, la geometría y el color no solo construyen estructuras visuales, sino que también sugieren estados de expectativa, fragilidad y posibilidad.
ALEJANDRO ELIA
Licenciado en Artes Visuales Orientación Escultura por la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires – Argentina y Licenciado en Bellas Artes por la Secretaria de Educación Ciencia y Técnica, Madrid – España. Argentino con una vasta formación académica y profesor con más de 20 años de experiencia en dos programas de la Organización del Bachillerato Internacional. Obtuvo su tecnicatura en Restauración de Bienes Culturales (1999) con el interés de conservar y mantener el patrimonio de Buenos Aires, como así también el de la humanidad.
Es titular de Cátedra del Taller proyectual de Escultura en el UNA (Universidad de las Artes – Buenos Aires – Argentina), tiene una vasta experiencia como investigador, y una gran capacidad para trabajar en proyectos colectivos. Dirige un equipo de investigación el cual, desde su formación en el año 2004, se encuentra orientado en el análisis del arte contemporáneo en cuanto a la relación de la obra y el espectador en contextos no tradicionales de exhibición como el espacio público, los espacios alternativos, la web, entre otros. Desde el 2010 Alejandro Elia focaliza su campo de investigación en la Bienal de San Pablo como reducto de nuevos lineamientos estéticos. Su tesis de grado fue defendida en el 2003 extrapolando a la arquitectura como monumento escultórico en los espacios públicos.
Es un artista visual en actividad ininterrumpida desde 1990, presentándose en exhibiciones colectiva e individual en su país y en el exterior, algunas de ellas se localizaron en Sevilla, Nueva York, Atlanta, Jamaica, entre otras. Como artista visual ha participado en proyectos de recuperación de espacios urbanos instalando murales en esquinas críticas de Buenos Aires recuperándolas de este modo como puntos de interés cultural.
Fulana es una casa-galería en Tafí Viejo, Tucumán. Un espacio donde el arte no se separa de la vida cotidiana, sino que la atraviesa: convive con los ritmos domésticos, con el territorio, con las formas de habitar y de encontrarse.
Lejos de la neutralidad expositiva, propone una experiencia situada, donde cada muestra se construye en relación con el contexto que la sostiene. Su programa se configura desde una escucha atenta a lo cercano, impulsando prácticas contemporáneas que dialogan con lo local sin quedar confinadas a él. La curaduría no aparece como una estructura fija, sino como un ejercicio en movimiento, que acompaña procesos, habilita cruces y pone en circulación preguntas antes que respuestas.
Fulana es, ante todo, un espacio de vínculo: entre artistas, obras, públicos y territorios. Un lugar donde lo íntimo y lo colectivo se entrelazan, y donde el arte se piensa como una forma de producir sentido, de activar la experiencia y de ensayar otras maneras de estar en el mundo.
Como parte de Circular NORTE —Red de galerías y gestiones del Norte Grande Argentino—, amplía estas dinámicas en red, fortaleciendo la circulación y visibilidad de las prácticas que emergen desde nuestra región.
Jessica Morillo (Tucumán, 1987)
Es artista visual, diseñadora y educadora. Su práctica se centra en el arte textil, que aborda desde múltiples materialidades y formatos como instalaciones, intervenciones urbanas, joyería contemporánea y piezas digitales. Su obra activa lo textil como herramienta de denuncia, memoria y participación, explorando lo personal, lo colectivo, lo educativo y lo político, con foco en las luchas de género y disidencias. Participó en exposiciones individuales y colectivas en Argentina y el exterior, y ha sido reconocida con diversos premios en salones nacionales y regionales. Entre ellos, menciones en el Salón Nacional de Artes Visuales (Palais de Glace), el Salón Regional de La Rioja y el Salón Timoteo Navarro. En 2025 fue seleccionada para la residencia “Volverse herida” de Fundación Kunayan (coord. Ana Gallardo). En 2024 integró el jurado del Salón de la Mujer del CAAT y fue parte del programa de artistas de Curadurías Itinerantes. Morillo construye espacios autogestivos de formación en torno al textil y la joyería, desde donde propone prácticas colaborativas que visibilizan opresiones y tejen nuevas formas de resistencia.
Karina Sztein, Buenos Aires, 1971.
Arquitecta egresada de la Universidad de Belgrano (1994) Ayudante en la cátedra de Diseño la misma Universidad en la carrera de Arquitectura (1995-1996). Miembro de la Asociacion de Artistas Visuales de la Republica Argentina. Miembro de CAAT, Centro Argentino de Arte Textil. Su obra forma parte de colecciones privadas en Argentina y en el exterior. Vive y y trabaja en Buenos Aires.
BAC Galería de Arte presenta una propuesta de solo show dedicada al artista Andrés Muller para participar en la Feria Arte de Pequeño Formato, a realizarse el mes de junio de 2026 en las instalaciones del Museo MARQ, en la Ciudad de Buenos Aires. La propuesta, reúne un cuerpo de obra concebido para un stand de lectura clara, sensible y concentrada, donde: una escala que invita a la proximidad, a la observación detenida y al encuentro íntimo con la materialidad de la obra.
Concepto curatorial
El proyecto plantea un recorrido por la producción reciente de Andrés Muller, articulando pintura y dibujo como dos lenguajes complementarios dentro de una misma investigación visual. Su obra se despliega entre la figuración y ciertas zonas de abstracción, construyendo imágenes donde la línea, la composición, el gesto y el color conviven con precisión y potencia expresiva. El solo show permite presentar la obra de Muller con unidad conceptual y profundidad, evitando una lectura fragmentada. En lugar de reunir piezas aisladas, la propuesta busca construir una escena completa: un universo visual propio, reconocible y coherente, donde cada obra dialogue con la siguiente y refuerce la identidad del artista.
Fundamentación del solo show
La elección de un solo show se justifica por la calidad y consistencia de la obra de Andrés Muller, así como por la versatilidad de su práctica. Su producción transita con naturalidad entre el dibujo a lápiz y la pintura, integrando recursos técnicos diversos sin perder una voz visual definida. En el marco de una feria de pequeño formato, esta decisión adquiere especial relevancia. Las obras de dimensiones reducidas permiten concentrar la mirada en el trazo, en la superficie y en las decisiones compositivas; al mismo tiempo, ofrecen una experiencia de contemplación cercana, especialmente adecuada para el contexto del Museo MARQ y para un stand de escala acotada.
El límite de 50 x 50 cm no se presenta como una restricción, sino como una oportunidad curatorial. La escala funciona como un eje de cohesión formal y favorece una propuesta precisa, ordenada y de fuerte impacto visual.
Criterio de montaje y layout del stand
El stand será pensado como un espacio de recorrido limpio, equilibrado y contemporáneo, priorizando la respiración entre obras y la lectura integral del conjunto. La propuesta contempla una selección de piezas organizadas por afinidades formales y cromáticas, evitando la saturación visual y favoreciendo una experiencia de contemplación pausada. El montaje buscará alternar obras de dibujo y pintura para evidenciar la amplitud del lenguaje de Muller. Esta convivencia permitirá destacar tanto la precisión de la línea como la densidad plástica de la pintura, generando un ritmo visual dinámico dentro del espacio disponible. El resultado esperado es un stand con identidad propia, fácilmente reconocible y curatorialmente sólido.
Sobre el artista
Andrés Muller nació en Buenos Aires en 1986. Es pintor y dibujante. Su práctica se caracteriza por una fuerte relación con el dibujo, la composición y la exploración de recursos pictóricos, articulando obras eminentemente figurativas con espacios de homenaje a la abstracción. Tulio de Sagastizábal define a Andrés Muller como “fuertemente dibujante y pintor, con obras eminentemente figurativas pero también con espacios de homenaje a la más pura abstracción”.
Formación, exposiciones y publicaciones
Formación
- Estudio Taller Verónica Gómez – Formación en pintura y dibujo
- Clínica de obra con Tulio de Sagastizábal
- Escuela Superior de Bellas Artes José Figueroa Alcorta, Córdoba Exposiciones destacadas
- Muestra individual, Ítaca, 2025
- Homenaje al dibujo, Galería Alejandro Faggioni, 2025
- TRES CAMINOS, muestra colectiva con Irene Banchero y Tulio de Sagastizabal en Galeria de Arte BAC Salta, 2025.
- Muestra colectiva del taller de Tulio de Sagastizábal, 2022 Publicaciones
- Revista 452f, Barcelona, desde 2018
- Revista Turba, 2019
- Revista Conabip, 2020
- Libros de artista exhibidos en FOLA y MoMA, 2021/22 7.
Cierre
La propuesta de BAC Galería de Arte para la Feria de Pequeño Formato en el Museo MARQ busca presentar un proyecto compacto, sensible y curatorialmente consistente, capaz de destacar la singularidad de Andrés Muller dentro de un contexto ferial de alta circulación. El solo show permite construir una lectura sólida de su obra y, al mismo tiempo, poner en valor la potencia del pequeño formato como espacio de precisión, cercanía y descubrimiento.
Quimera funciona como plataforma para el desarrollo de proyectos curatoriales, expositivos, educativos y editoriales. Representa a una generación intermedia de artistas contemporáneos y fomenta el diálogo interdisciplinario dando espacio a ciclos, proyectos, artistas y curadores en su espacio. Desde su nacimiento, la galería abre nuevos mercados y da a conocer a artistas argentinos en destinos no explorados. A través de los años, logró incorporar a varios de sus artistas a importantes colecciones internacionales. La galería pertenece a Meridiano y trabaja activamente para el desarrollo de la escena local.
Nina Kovensky
Nació en 1993 en Buenos Aires. Entre 2011 y 2012 cursó la Beca de “Casa Escuela de Arte”, y participó de los comienzos de Isla Flotante donde realizó “Mi primer trabajo, Mi primera muestra”. En 2016 realizaron una exposiciòn junto a su padre Martìn Kovensky en la galería El Gran Vidrio. Ese mismo año participó de la clínica de Aníbal Buede. En 2017 hizo el Programa de Artistas de la Universidad Di Tella. Ese mismo año, gracias a una beca de formación del FNA realizó el documental “Que Aparezca Maresca”. También en 2017 inauguró “Klapaucius:;:;:; ” , una muestra individual curada por 141 personas, en Galería Isla Flotante. En 2018 realizó un solo show titulado “Realidad Disminuida” para el Barrio joven de arteBA donde obtuvo un Premio en Obra. Desde 2019 realiza performances colectivas en transportes públicos a las cuales titula “interferencias”. En el año 2020 realizó un taller virtual de Desalienación y una muestra individual titulada “Ojo de cabra” en El gran Vidrio con Curaduría de Carla Barbero. En 2021 expuso en la muestra colectiva del Museo Moderno, “Adentro hay mas que una morada”, y junto a Adriana Miranda realizaron la instalacion “Próximamente Marte” en galería PM. Desde el último año anfitriona junto a Osias Yanov la Pulpería Mutualica en el barrio de Ortuzar, centro de experiencias múltiples en torno a las reuniones. Actualmente forma parte de los siguientes colectivos: “Caterine Ful Lov” junto a Lucía Reissig y Cartón Pintado (comida ambulante), “Sirenes Errantes” (performance) y “Putas de Mierda” (poesía).
Valentina Ansaldi
Valentina Ansaldi nace en Buenos Aires en 1994. Estudia la Licenciatura en Artes Visuales en la UNA. Asiste a las clínicas de obra de Gabriel Baggio, Pablo Siquier (en el marco de la cátedr Bissolino) y Verónica Gómez. En el 2018 recibe la Beca Creación por parte del Fondo Nacional de las Artes y el Primer Premio Estímulo de Pintura Banco Central. En el 2019 realiza su primer muestra individual ‘Última Dimensión’ en la galería Quimera con curaduría de Gabriel Baggio. En el 2020 recibe el premio 321 de Oda Arte en Otra Feria de Arte. Participa de varias exposiciones colectivas entre las que se destacan: 15º Concurso Nacional UADE, 50º Salón de Artes Visuales Fernán Félix de Amador, XIII y XI Premio de Pintura Banco de Córdoba, XI y X Premio Nacional de Pintura Banco Central, Bienal de Arte Joven Buenos Aires y Premio Proyecto A. También participó con la galería en las ferias ArtBAB (Bahrein), COSMOSCOW (Moscú) y Pinta (Miami). Fue dentro del contexto de COSMOSCOW que una de sus pinturas fue seleccionada para el adquisición y donación al Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA), siendo la primera artista argentina en formar parte de esta colección.
Julia Levstein
Julia Levstein nació en Córdoba en 1991. Estudió Artes Visuales en la Universidad Nacional de Córdoba y en el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Actualmente vive en Ciudad de México y forma parte del Programa Educativo SOMA. Es artista visual y coordina la biblioteca y archivo especializado en arte contemporáneo América Elda Nancy. Recibió la beca Creación del Fondo Nacional de las Artes y fue premiada en el Salón de Mayo del Museo Rosa Galisteo.
Dentro de sus muestras más destacadas se encuentran: Un lugar enorme (2025, Quimera Galería); Diario de una escultura, acto 3 (2022, Museo de las mujeres, Córdoba), Diario de una escultura y otros relatos (2021, Crudo Galería, Rosario), Cerca (2021, Quimera Galería, Buenos Aires). También participó en muestras colectivas como: Salón Nacional (2022, Museo Bonfiglioli, Córdoba), Suave y refrescante (2021, Fuga Galería, Santa Fe), Mundos Propios (2019-2021) (2021, Universidad Torcuato Di Tella Buenos Aires), Jet Lag (2020, Crudo Galería, Rosario), entre otras.
Hernán Soriano
Hernán Soriano, nació en la ciudad de Buenos Aires en 1978. Cursó dos años en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Segundo año de la escuela de Diseño y Comunicación. Clínica de obra en el Centro Cultural Ricardo Rojas 2006. Becario del Centro de Investigaciones Artísticas 2010, programa P.A.C. de la galleria Gachi Prieto 2012.Forma parte del colectivo artístico Provisorio Permanente junto a Victoriano Alonso, Pedro Wainer, Eduardo Basualdo y Artur Lescher y del colectivo artístico Totem y Tabú junto a Laura Códega y Malena Pizani.
Dentro de sus más destacadas muestras individuales se encuentra El tiempo que nos queda (2020, Galería Lanzallamas, Buenos Aires), Formar mentalmente una máquina (2016, Museo de arte Moderno de Buenos Aires), Edición (2015, Document Art galería de arte, Buenos Aires), Cinco figuras (2008, Instalación Centro Cultural San Martín, Buenos Aires) y Sepia (2007, Centro Cultural Borges, Buenos Aires). También participó en muestras colectivas como Museo de los mundos imaginarios (2014, Museo MAR), AMC (2010, 23 Stuttgarter Filmwinter Festival for Expanded Media, Alemania) y AMC (2009, Museo Emilio Caraffa, Córdoba, Argentina).
Pablo Insurralde
Isidro Casanova, Buenos Aires, 1980.
Cursó Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Nacional del Arte. Continuó su desarrollo artístico con diversos talleres y clínicas de obra, incluyendo una beca de formación del Fondo Nacional de las Artes en el Centro Cultural Haroldo Conti, donde se formó con artistas como Verónica Gómez, Eduardo Basualdo, Claudia del Río, Eduardo Stupía y Silvia Gurfein En 2017, recibió una beca de arte contemporáneo de ABC.
Su obra ha sido premiada en múltiples ocasiones En 2024, fue seleccionado como artista por la Fundación Suiza para la Cultura Pro Helvetia para participar en su programa de residencia En 2019, recibió el Premio Presidencia de la Nación a la segunda mejor obra del 108º Salón Nacional de Artes Visuales, así como una beca de viaje de la Colección Oxenford en Buenos Aires En 2017, obtuvo una mención de honor en el Premio Braque y en 2016 ganó el Primer Premio en el Concurso Nacional UADE de Artes Visuales, entre otros reconocimientos.
Algunas de sus muestras individuales más destacadas incluyen Estado de cuero en Miranda Bosch Gallery 2021. Cuadrilátero en Espacio CRUCE, Madrid 2018, y Fin de festa en arteBA Focus 2017 Entre sus muestras colectivas más relevantes se encuentran Diverse World: Latin American Ceramic Art Exhibition en la Bienal Internacional de Cerámica en Jingdezhen, China 2023, y El futuro llegó (hace rato) en el Centro Cultural Kirchner 2016.
