Van Riel es la galería con mayor trayectoria en la Argentina, fundada en 1924 por Frans van Riel en Florida 659 y manteniendo su vigencia hasta hoy, con su tercera generación al frente. La galería se constituyó desde sus inicios como un espacio gravitacional de la escena artística local, alojando instituciones como la Asociación Amigos del Arte, el premio Ver y Estimar y el Instituto de Arte Moderno, y siendo escenario de muestras que constituyen hitos para la historia del arte argentino.
En la actualidad la galería funciona en un nuevo espacio de concepción despojada y minimalista, donde mantiene su compromiso continuo con el arte, apoyando y difundiendo la obra de artistas contemporáneos.
León Farrari
León Ferrari fue uno de los artistas argentinos más originales y relevantes de la historia reciente. El conjunto de su obra, su pensamiento y sus escritos lo revelan como un creador multifacético y, a la vez, como un hombre con una fuerte impronta política, y gran compromiso y sensibilidad social. Reconocido entre los artistas contemporáneos más importantes del mundo, dedicó su vida a denunciar, con valentía, rigor y genio artístico, los daños y las consecuencias de las que han sido siempre sus mayores preocupaciones: la religión, las dictaduras, la intolerancia y la guerra.
Irene Banchero
Nació en Buenos Aires en 1955. Se formó con Demetrio Urruchúa, Roberto Páez, Roberto Parini y Graciela Hasper. Entre 1982 y1990 expuso tapices, dibujos y pinturas, técnicas a las que luego también incorporó la escultura. En 2003 realizó una residencia de trabajo en Arteleku, San Sebastián, España. Entre 2001 y 2006 integra el equipo de Trama, programa de cooperación y confrontación entre artistas. Además, ha colaborado en gestiones independientes: Muestrario (2001), Perfil de Artista (2004 y 2005), Mediomundo (2006), entre otras. Sus obras integran, entre otras colecciones, la del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina y la de la Colección de Arte Contemporáneo, Museo Castagnino, Rosario, Argentina.
Taca Oliva
Taca Oliva nace en 1957, en Apóstoles Misiones, Argentina. Estudia en la Escuela Nacional de Cerámica. Licenciatura en Artes Visuales (UNA). En 1994 realiza una residencia en Hiroshima Japón. Estudia con el artista visual Roberto Elía. “Un taller de Verano”, dictado por Tulio de Sagastizábal. El Centro de Investigaciones Artísticas. Buenos Aires. 2009-2010. Taller “Una caja de herramientas” dictado por Eduardo Stupía, Universidad Torcuato di Tella. 2013. Invitación del Sensei Kei Satou Gunma Japan 2015. Seleccionado para realizar una residencia en el Shangyu Celadon Modern International Center Shaoxing, Zhejiang, CHN. 2019. Artista-Educador. Vive y Trabaja en Buenos Aires.
Lía Porto
Su trabajo se refiere al mundo natural, pero siempre como una especie de ficción. La creación de su narrativa se mueve entre lo que es artificial y orgánica al mismo tiempo. Ha expuesto su obra ampliamente en la Argentina, y también en Nueva York y el Reino Unido y sus obras forman parte de colecciones privadas en Argentina, Estados Unidos, Alemania, Suiza y Eslovenia.
Ernesto Riveiro
Ernesto Riveiro desarrolla una actividad múltiple. Dibuja, pinta, a veces esculpe, o realiza lo que el llama ofrendas y ex-votos, además de sus objetos. En su relación con los objetos, Ernesto Riveiro se encuentra en un poco frecuente cruce de caminos: un área donde podrían encontrarse Marcel Duchamp y el Facteur Cheval. Un universo donde extrañas aventuras podrían seriamente ocurrirle a las cosas y a los objetos; como en los relatos de Borges o de Leopoldo Marechal. Un mundo donde los objetos podrían ser poseídos por una fuerza, una potencia benéfica o inquietante como en el chamanismo.
En la pintura y el dibujo, no se confina en un único territorio. Despliega un juego sutil donde se conjugan, en el espacio del cuadro, la mancha, el trazo y el color. Los juegos de superposiciones o asociaciones que practica producen un espacio multifocal al límite de un paisaje o de un relato que se hace o se deshace a merced de la mirada. Los cruces de los trazos dan pasos a una sucesión de rejas que cavan así el espacio del cuadro. Líneas y manchas van a hacer y deshacer unos contornos. En cierto modo, los colores van a encarnar, dar cuerpo a formas que se dan como aparición de formas, fantasmas de figuras.
Jorge Sarsale
Entre sus muestras individuales se destacan: Mar de fondo, ADC Contemporary & Building Bridges International Art Exchange, Santa Monica, California; EE.UU, (2012); Cóncavo – convexo, Galería Alejandro Bustillo, BNA, Buenos Aires, (2011); ESO, Proyecto La línea piensa, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, (2010); Meeting point, Expressiones Cultural Center, New London, EE.UU, (2009); Área de resonancia, Heriard -Cimino Gallery, New Orleans, USA, (2008); Todo el pasado por delante, pasaje, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, (2005); “Signos Inciertos”Galería Ángela Sacristán, Madrid, España, (2000); “Sitios – paisajes inciertos, sitios probables” Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, (1999); “Destierros” Galería Ángela Sacristán, Madrid, España, (1999), Galería del Metro, Madrid, España (1998).
Mariano Vilela
Mariano Vilela (Buenos Aires, 1970) estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. Realizó el posgrado en Artes Visuales en la Universidad Nacional de las Artes. Asistió a los talleres de Ahuva Slimowickz y Jorge Macchi. Fue becario del Programa para artistas jóvenes dirigido por Guillermo Kuitca y del Fondo Nacional de las Artes, categoría Diseño. Asimismo, participó del programa para artistas visuales intercampos y del workshop de video monocanal, ambos en la Fundación Telefónica. Expone de forma individual en el país y en el exterior desde 1994. Ha realizado muestras individuales en las galerías Van Riel, Dabbah Torrejón, Schlifka Molina, Espacio Duplus (Buenos Aires), Lumisol (Munich) y Light Contemporary Gallery (Londrés).
Arte que nace y circula en el territorio. En el marco de la Feria Arte Pequeño Formato, Galerias bonaerenses presenta una selección de obras de Daniel Fitte, Javier Fernández, Jorgela Argañaraz, María Cristina Elorriaga y Silvia Stork. Un conjunto de propuestas que reflejan la diversidad de lenguajes, sensibilidades y experiencias que atraviesan la escena artística de la provincia de Buenos Aires.
A través de distintas materialidades y modos de hacer, las obras invitan a recorrer paisajes, memorias, relatos e imaginarios que dan cuenta de la riqueza cultural de un territorio en permanente construcción.
Daniel Fitte
Dani nació, vive y trabaja en Sierras Bayas, un pueblo ubicado en el Partido de Olavarría. Se formó con los Maestros Miguel Ángel Galgano, Jorge Melo y con la Maestra Diana Aisenberg. Participó de las clínicas de arte dictadas por el artista Tulio de Sagastizabal, en el CIA de CABA.
Realiza su trabajo como artista visual basado en el contexto donde reside.
Con el uso de diversos lenguajes recorre el paisaje, el entorno que lo rodea y la gente de oficio que dan cuerpo a su obra.
Obras: pintura sobre piedras recuperadas de la cantera de Sierras Bayas. Medidas variables
Foto 8- Dolomita de cantera tallada industrialmente.
Javier Fernández
Artista textil y docente, Javier Fernández nació en San Antonio Oeste (Río Negro) en 1977 y actualmente reside en CABA.
Su producción artística está direccionada por su formación de historiador, fundamentalmente, a narrar historias a través del trabajo manual, al proceso de rescate de materiales textiles y su posterior reconversión en piezas sustentables, indagando e investigando en las conexiones y resignificaciones entre género, prácticas ancestrales, tecnologías milenarias, saberes artesanales y el cuidado del medio ambiente con la firme convicción que el arte y la sostenibilidad pueden ser perfectamente compatibles
Fernández integra y coordina “Experimentos Textiles”, una plataforma dedicada al arte sustentable y las prácticas textiles contemporáneas que busca promover la reutilización de materiales y generar conciencia sobre la degradación ambiental a través de la creación artística. Desde allí impulsa proyectos colectivos que entienden el textil como territorio político, afectivo y comunitario, donde las prácticas manuales funcionan como formas de resistencia frente a las lógicas de consumo, descarte y normalización de los cuerpos.
Jorgela Argañaraz
Nacida en Viedma Río Negro vive en dos geografías a 1000 km de distancia – su casa taller en San Isidro Provincia de BsAs y su casa taller en la Reserva Natural Punta Bermeja Río Negro.
El sueño del caballo que se cree dragón, es una serie de obras que nace del encuentro con una miniatura de madera tallada y crece en el mundo onírico de la artista. Situado en el monte patagonico, con fuerte presencia del océano, el viento y el cosmos en su infinita dimensión navegado en sueños por este caballo que se percibe dragón. ¿Y vos? ¿Quién sos?
María Cristina Elorriaga
Artista visual, docente e incentivadora. Vive y trabaja en Coronel Suárez
Psicogeografías//Experimentar el espacio es distinto para cada persona,y en este caso, cada obra representa un lugar, real o imaginario, donde descansar la mirada.
Retratar el espacio se vuelve tangible y así como hoy desde un dron tenemos una visita aérea de una ciudad, o una región, esta obra va más allá y describe uno por uno, nuevos espacios y su psicogeografia.
Silvia Stork
La obra de Silvia Stork gira en torno a la fragilidad y la vulnerabilidad humana, reflexionando sobre la enajenación que producen la sociedad de consumo y las nuevas tecnologías. Para la artista, estas dinámicas promueven una homogeneización que limita la diversidad, materializando así la tensión entre una esencia humana profunda y las capas de alienación que impone la contemporaneidad.
A través de superficies erosionadas, materiales precarios y formas orgánicas, sus piezas transmiten la sensación de algo que fue cubierto, ocultado o herido, pero que todavía insiste en emerger. En suscreaciones, la vida se manifiesta mediante texturas rugosas y terrosas, donde cavidades de un rojo intenso funcionan como aperturas hacia un interior vital y casi corporal que permanece activo bajo la superficie gris. Este contraste entre el exterior áspero y el interior luminoso opera como una metáfora de la identidad original; aquella que persiste, latente, debajo de las capas del desgaste social.
El concepto “sueños de triunfo y dominación” puede referirse a diversas interpretaciones, desde deseos personales de éxito y control hasta obras artísticas que exploran estos temas. En el ámbito del arte, la fotógrafa Grete Stern creó una serie titulada “Sueños de triunfo y dominación”, que exploraba temas de poder y control a través de imágenes surrealistas. En un contexto más amplio, estos sueños pueden reflejar aspiraciones individuales de lograr metas importantes o ejercer influencia sobre otros, pero también pueden señalar la necesidad de liberarse de miedos y confiar en uno mismo y en los demás. La propuesta de esta selección de artistas permite la más plena libertad en la síntesis de situaciones y figuras diversas, de perspectivas y puntos de visión alternativos, frustraciones diarias, apetencias inconfesables, precisamente para ilustrar los sueños, ese lenguaje de la otra parte, no consciente, de la vida.
Constanza Delfino
Nació en 1992 en Pilar, Córdoba, Argentina.Estudió la Licenciatura en Pintura en la Universidad Nacional de Córdoba. Realizó estudios en diseño de estampados, serigrafía, y otras técnicas gráficas. Actualmente ejerce como profesora de pintura en distintas galerías y en su propio estudio en Córdoba Capital. Participa en distintos grupos de investigación y ayudantías de la Facultad de Artes de Córdoba. Su interés profesional radica en la investigación y enseñanza sobre el oficio de pintar, pensando a la pintura de una manera expansiva y su relación con el diseño y la estampa. Expuso parte de su producción en diferentes muestras colectivas en Argentina: Córdoba Capital, Capital Federal y Posadas en lugares como Espacio Modos, CePia (Centro de Producción e Investigación en Artes), Legislatura Provincial de Córdoba, Centro Cultural España Córdoba y en muestras individuales en Centro Cultural Casona Municipal, Howard Jhonson Hotel Córdoba, Las Delicias Country. Obtuvo 1o Mención en Concurso de Ilustración Infantil de Córdoba Capital (2014) y 1o Mención Adquisición, Arte Vittal para artistas emergentes, Ciudad de Buenos Aires (2016). Sobre la serie “Pintar la rutina” (2020-2022) comenta “para mí de esto se trata pintar la rutina. Es decorar instantes efímeros y ordinarios. Es pintar lo simple de la vida. Imaginándola sin rodeos, sin vueltas y tan determinada que se vuelve paradójicamente inexistente. Esta acción de volver pregnante la cotidianidad para realzar sus aspectos banales es un ejercicio que me propongo en esta excursión en la que participo de pintar .el día a día; y más aún exacerbándose en esta cuarentena donde la rutina parece haber quedado disuelta o concentrada, según, en días y horas que ya no importan. Mis trabajos parten desde la vida doméstica, pintando elementos banales, como una silla, una almohada, o acciones ordinarias como la de sacar comida de la heladera, un gato durmiendo o los cinco minutos que nos tomamos para fumar un cigarrillo: sabemos que cada vez que miramos un trabajo de estos estamos teniendo una visión especial de mi mundo privado.”
Cristina Sardoy
Nació en Buenos Aires. Se formó en los talleres de Ileana Vegezzi, Carlos Fels, Eduardo Cervera y Sergio Merayo, Eduardo Stupía y Juan Astica. EXPOSICIONES INDIVIDUALES Y COLECTIVAS: 2025: AJEDREZ. Galería Arcimboldo dirigida por Pelusa Borthwick; curaduría: Virginia Pérez. (con Pablo Rodríguez) 2024: Concreto, abstracto y algo más; Balcarce Centro Cultural (con Pablo Rodríguez) 2019: Distrito Arenales (escultura callejera) 2017: Centro Cultural Borges; exposición: Cambio de piel (curaduría de Eduardo Stupía) 2015: Galería Alejandro Bustillo dirigida por Ana Perissé (Banco Nación) 2012: Espacio de Arte Luna Park 2011/2009/2005: Crayon, Arte Contemporáneo 2005: Patio del Cabildo (curaduría: Ana Perissé) EXCLUSIVAMENTE COLECTIVAS: 2025: De Cajón: maniobras de rescate, o la seducción por objetos en desuso en El Rojas UBA 2024: Quintaesencia; Centro Cultural Bolívar (colectiva)2009: Del Piso al Techo: una antología del dibujo contemporáneo. Curador Eduardo Stupía, Galería Chez Vautier; Taller de artistas Medrano 2004: Crayon, Arte Contemporáneo 2003: Galería del Viejo Hotel 2001: Casa de Jorge Luis Borges 2000: III Exposición Arte Argentino Contemporáneo, Palacio San Martín. Es traductora. Vive y trabaja en Buenos Aires, donde continúa desarrollando su obra.
Andrea Guedella
Andrea Guedella, nació en Buenos Aires, Argentina. Estudió Diseño gráfico, Comunicación Social y Publicidad.Trabajó en la dirección creativa en varias agencias antes de mutar en artista visual. En 2014, comienza a exhibir sustrabajos fotográficos en Redes, Ferias y Exhibiciones grupales hasta llegar a Museos y Exhibiciones individuales tantoa nivel nacional como internacional. Además de realizar su propia obra, realiza trabajos editoriales, publicitarios yretratos bajo comisión de estudio. Algunas de sus últimas distinciones: 2021 Ganadora en FAPA (Fine ArtPhotography Awards) con la serie “Viveres” en la category Fotografía conceptual. 2020 Medalla de Plata en TIFA(Tokio International Foto Awards) en la categoría portfolio, por serie “Víveres”. Medalla de Plata en BIFA (BudapestInternational Foto Awards) en category portfolio fine art, con su serie “Aislamiento Pop”. Dos menciones honoríficasen el Premio de la Photographie de Paris, para su serie de autorretratos evocando a Eva Perón y por su seriefotográfica “Mi propio Circo”. Entre muchos más.
Martin T. Raggio
Empezó como fotografo por hobbie mientras terminaba el colegio en Argentina. Viajó por todo el país, así encuentra su pasíon por la imagen y su vocación. Luego estudia Diseño de Imagen y Sonido en la FADU (Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo) de la UBA (Universidad de Buenos Aires). También realiza cursos de fotografía, y edición de video.
Yanina de Martino
Yanina de Martino, Nació en Buenos Aires. Su obra nos invita a transitar por un mundo viviente en donde las formas abstractas, que vuelan en el espacio, transmiten el mensaje desde lo más profundo de los sentidos. Sus pinturas son elaboradas delicadamente pero a su vez gozan de una frescura propia, producto del impulso de la creación misma. Trabaja con materiales reciclables y sustentables. Ha exhibido en diferentes ferias de Buenos Aires, México y Nueva York.
Mónica Potenza
Mónica Potenza (Buenos Aires, 1972) se ha formado en serigrafía en el taller de Andrea Moccio, y en pintura con Martín Riwnyj. También recibida de Técnica en Publicidad de la Universidad de Ciencias Empresariales y sociales (UCES) y Gastronomía en la Asociación de Academias Argentinas (AGA). El trabajo de Mónica Potenza indaga en los estereotipos culturales relacionados al consumo de comida chatarra y a ciertos aspectos críticos del “estilo de vida americano”. Su obra problematiza el ideal de felicidad familiar desde la perspectiva femenina.
Gachi Prieto es una plataforma de producción, investigación y reflexión en el campo del arte contemporáneo latinoamericano. Desde Buenos Aires, trabaja con el compromiso pleno de promover proyectos y artistas que formen parte de este complejo sistema, buscando constantemente nuevos significados y enfocando su trabajo en la experimentación y el respeto a los procesos creativos.
Ubicada en Palermo, con un espacio de 200m2 la galería apunta a la posibilidad de jerarquizar la exhibición de los formatos de obra más contemporáneos y se constituye como un lugar abierto de interacción, encuentros y experiencias compartidas entre el público y lxs artistas, diseñadas para fomentar la discusión y expandir el campo de creación, producción, circulación y comercialización de arte.
Actualmente, Gachi Prieto representa a 20 artistas latinoamericanxs con una destacada carrera local e internacional. El programa de 8 exhibiciones por año fomenta cruces interdisciplinarios, conceptuales y espaciales en una variedad de medios incluyendo la escultura, el video, el sonido, la pintura, la fotografía y la performance. La galería es reconocida por revelar y consolidar la carrera de sus artistas y por apoyarlxs en presentar exposiciones de escala institucional, conquistando una posición crecientemente notoria en la escena artística internacional.
Gala Altamare
Lic. en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Asistió a talleres de pintura con Nicolás Guardiola y Germán Wendel. Es editora de la revista de arte Evasión y coordina su taller de dibujo y pintura.
En 2025 realizó sus primeras exhibiciones individuales: Tardecita en Galería Casa Equis (Central AFFAIR, CABA) y Canción de amor en Dear Pink (CABA).
Entre sus exhibiciones colectivas se destacan: El encanto de los espacios (Museo López Claro, 2022), FUA! Mercosur (Museo de la Cárcova, 2023), Acción conJUNTA (Museo Pettoruti, 2023), Vigencia del surrealismo (Punto Azul Museo / BAC Galería, 2024), Yo paisaje (Punto Azul Museo, 2025), Objetos de meditación (curaduría de Emmanuel Franco, Galería Vermeer, 2025) y Fractura expuesta (curaduría de Silvia Gurfein, ArtHaus Central, 2025).
Fue seleccionada en el Premio Itaú de Artes Visuales (2022), FAUNA 4° edición (2022), el Salón Provincial de Arte Joven (2024) y la XIV Bienal de Arte Sacro Contemporáneo (2025). En 2025 recibió el 1° Premio Adquisición de Pintura en el Salón Azul Nacional de Artes Visuales.
Maria Luiza Amorim
Maria Luiza da Cunha Amorim es una artista visual nacida en 1993 en Florianópolis – SC, donde reside actualmente. Graduada en Diseño por el Instituto Federal de Santa Catarina (2018), tiene la fotografía como principal medio de expresión y la literatura, la historia y la creencia popular como motores de su producción, con un especial interés en la creación de publicaciones de artista. La atmósfera de su poética abarca cuestiones del sexo femenino, la ascendencia y el imaginario que constituye esta figura, abraza también el paisaje en sus obras más recientes.
Lihuel González
Lihuel González (Buenos Aires, Argentina, 1986) es fotógrafa y realizadora audiovisual formada en la Universidad del Cine. Además, participó en clínicas de arte con Gabriel Valansi, Hernán Marina y Alberto Goldenstein, y fue parte del Programa de Formación FNA – CONTI (2013), el Programa ABC de la Fundación Pan y Arte (2013), y del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella en su edición 2014-2015. Ha realizado exhibiciones nacionales e internacionales en Galería Gachi Prieto (Buenos Aires, Argentina, 2019); Museo de Arte de Dallas (Texas, Estados Unidos, 2018); Povvera (Berlín, Alemania, 2018); Centro de Arte UNLP (La Plata, Buenos Aires, Argentina, 2018) y Espacio Pira ADM (México, 2016), entre otros.
Ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre los que se destacan: Primer premio Concurso Nacional de Artes Visuales UADE (2021) Mención Premio Itaú a las Artes Visuales (2020), Tercer premio 108 Salón Nacional de Artes Visuales (2019), Tercer premio Concurso Nacional de Artes Visuales UADE (2018), Mención honorífica del Jurado Premio Fundación Klemm (2016) y Segundo Premio Salón Nacional de Artes Visuales – MACA Museo Junín (2016). Asimismo, en 2014 y 2018, el Fondo Nacional de las Artes le otorgó la Beca a la Creación.
Maria Elisa Luna
María Elisa Luna desarrolla su trabajo en el campo de la pintura pero también ha realizado instalaciones, bordados y arte objetual. Creció influenciada por el mundo gráfico en la imprenta de su padre. Esta experiencia la llevó a indagar durante toda su carrera artística en la construcción de tramas. La artista parte de un patrón geométrico que desarrolla hasta encontrar la imagen definitiva que irá plasmada en la tela. Recientemente, encaró una exhaustiva investigación sobre los teselados. Esta búsqueda le permitió trabajar el volumen y el movimiento en el espacio a partir del uso de tramas compuestas por formas triangulares.
Actualmente, el color se vuelve partícipe de sus patrones. Su paleta cromática surge de combinar los sistemas CMYK y RGB con experiencias lumínicas propias de la vida en la ciudad.
Romina Baigorria
Artista visual Sanluiseña, actualmente vive y trabaja en Villa Mercedes. Se graduó en la Fac. de Filosofía y Humanidades de la UNC de Licenciada en Pintura.
En el 2022 obtuvo el segundo premio categoría de instalaciones y medios alternativos del 110° Salón Nacional, Palais de Glace. En el 2021 fue finalista del XXV premio Klemm. En 2019 participó en la exposición la Marca Original en el CCK, curada por Ana María Battistozzi, Laura Buccellato y Renato Rita en conjunto con la curadora general de artes visuales del CCK Gabriela Urtiaga.
En 2016 fue seleccionada por el Museo Nacional de Bellas Artes para representar a la provincia de San Luis en la exposición “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino”, curada por Andrés Duprat y Jorge Gutiérrez. El mismo año obtuvo la Beca a la Plataforma Futuro y programa de “Escena Pública” ambas convocatorias del ministerio de cultura de la Nación.
Valeria Calvo
Valeria Calvo nació en 1979 en Villa Martelli, Buenos Aires, y creció en Parque Chas. Desde pequeña ya mostraba interés por actividades manuales y artísticas, influenciada por su abuela que le enseñó a tejer. Sin embargo, no tuvo acceso a talleres de arte durante su infancia, recién un año antes de terminar la secundaria comenzó a tomar clases en un centro cultural de su barrio. Así, al terminar el colegio se inscribió en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, donde se graduó en 2003 como Profesora de Escultura. Aunque se especializó en esta área, Valeria se dedica principalmente a la pintura. Eso sí, el espacio está siempre presente en sus creaciones.
Carlos Rivera
Carlos Rivera (Luxemburgo, 1985) es licenciado en Artes con mención en Pintura por la Universidad ARCIS. Actualmente se desempeña como académico y Director de la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Arquitectura, Artes y Diseño de la Universidad Católica de Temuco.
Su obra ha sido presentada en exposiciones individuales y colectivas en Chile y el extranjero. Entre ellas destacan: Desacatos (Universidad Católica, Chile), Acromías y Sombras (Galería AFA, Chile), Sin estrellas (Sala Gasco, Chile), Spoilers (Galería AFA, Chile), La poética del residuo (Sala de Arte CCU, Chile), Ciudad H (Matucana 100, Chile), S’envoler, Espectros y Osmosis II (Sobering Galerie, Francia), Desastre y Archivio (N38E13, Italia), así como Resituarnos (Galería de Arte Contemporáneo Paul Bardwell, Colombia).
Su trabajo forma parte de colecciones privadas en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos.
Pablo Rodriguez Blanco
Pablo Rodríguez Blanco 1987, Santiago, Chile Licenciado en arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile y Magister en Artes de Royal College of Art. El 2016 se adjudica una beca CONICYT, del gobierno de Chile, para ir a estudiar a Londres un Master de Artes en Escultura en Royal College of Art. Su obra se ha exhibido internacionalmente en Argentina, Reino Unido, Luxemburgo y Francia. El año 2018 es seleccionado para exponer en la muestra del premio anual The VIA Arts Prize, en Londres. Su obra forma parte de colecciones privadas en Chile, Bélgica, Francia y el Reino Unido.
ALMACÉN es una galería de arte contemporáneo que construye su práctica desde la investigación, la proyección y la profesionalización de los artistas que representa y acompaña.
Su trabajo articula producción, difusión y comercialización de obra, entendiendo estos procesos como parte de un mismo ecosistema creativo.
La galería experimenta el ámbito digital a través de su plataforma web y redes sociales, y desarrolla sus actividades presenciales bajo el formato de HomeGallery en San Nicolás de los Arroyos, generando un espacio de cercanía, intimidad y hospitalidad para el encuentro con el arte contemporáneo. Desde su sede en CABA, ALMACÉN participa activamente de los circuitos legitimados del campo artístico.
ALMACÉN propone un espacio de reflexión y cruce de miradas, orientado a la formación de nuevos públicos y al acompañamiento de coleccionistas, invitando a una experiencia sensible, crítica y situada del arte contemporáneo.
Co directores: Ismael Abrahan | Leo Mayer
Alejandra Recosta
En sus piezas, el trazo aparece como una intensidad: dibujo, gesto y palabra se encuentran en una superficie donde la imagen insiste, se interrumpe y vuelve a decir. En pequeño formato, esa energía se vuelve próxima. Una obra como registro sensible de pensamiento, humor y afecto.
Kalil Llamazares
Kalil Llamazares (Buenos Aires, 1971) es diseñador, músico y artista visual. Estudió Diseño Gráfico en Fadu, UBA donde también fue docente. Trabajó en publicidad, gráfica, cine, TV, libros, revistas y otros medios. Expuso en Buenos Aires, Río de Janeiro, París, Amsterdam, Nueva York, Los Ángeles y Shanghai.
Leo Mayer
Graduado en ingeniería en tecnología de los alimentos, gestión cultural y producción de artes visuales. Realizó clínica de obra con Daniel Joglar, Claudio Roncoli y Betariz Vignoli. Realizó muestras individuales en el en el Museo Nacional Casa del Acuerdo (2013), Cetro Cultural de la Biblioteca del Congreso de la Nación (2015) y en la Galería Municipal de Arte de San Nicolás (2017), entre otros espacios. En 2021 sus obras fueron seleccionadas para: IV Biennal de Válencia Ciutat Vella Oberta, XVI Salón de Artes Visuales de Junín, IV Bienal de Libro de Artista Museo Casa Carnacini San Martín.Fue seleccionado por la Bienal Internacional de Arte de Curitiba- Brasil para difundir su trabajo junto al de otros veinte artistas.
Mariquena Vallejo
Mariquena Vallejo nació en Buenos Aires en el año 1981 y al poco tiempo de graduarse en Sociología empezó su formación en el taller de grabado del Museo Sívori. Actualmente se encuentra finalizando la licenciatura en artes visuales en la Universidad Nacional de las Artes y en el año 2020 realizó el programa seminarios de la galería Gachi Prieto.
Desde el año 2006 participa en varias muestras colectivas y en el año 2010 tiene su primera muestra individual en la Casa de la Cultura de Ramos Mejía. En el año 2016 expuso individualmente el Proyecto Copia Infiel, en el Espacio Cultural de la Organización de los Estados Iberoamericanos de la Ciudad de Buenos Aires. Participó en varios salones como el Salón Nacional de Dibujo y Grabado de Entre Ríos y el Manuel Belgrano donde obtiene una mención.
Natalia Biasioli
Artista visual nacida en Buenos Aires. Su obra explora el entrecruzamiento de distintos lenguajes artísticos —pintura, cerámica, retroproyección, música y palabra— construyendo pequeñas escenas que funcionan como un teatro de las cosas narrado por mujeres, casas, aves y frutas. Los mundos se entrelazan, se chocan y se funden en una sola especie.
FORMACIÓN
Profesora Nacional de Pintura, Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (2002). Formación con Horacio D’Alessandro, Felipe Pino y Juan Astica.
EXPOSICIONES DESTACADAS
Participó en muestras individuales y colectivas en Buenos Aires. Editora y directora de la revista de arte Al ver verás. Su trabajo circula en galerías y espacios culturales de Argentina.
Aída Pippo
Buenos Aires, 1971 SEMBLANZA
Pintora, escultora, ilustradora y cryptoartista. Su práctica transita entre la obra física y la digital, investigando las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Integra el art-dúo PippoKatz junto a Germán Katz, dedicado al arte multimedia certificado en blockchain (NFT). Fue dibujante de la tira Memé en el suplemento ADN del diario La Nación.
FORMACIÓN
Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. Antropología, UBA. Profesora Nacional de Pintura, Escuela Superior Prilidiano Pueyrredón. Taller de dibujo de Roberto Páez. Pintura con Carlos Gorriarena. Escenografía, Teatro Colón. Cerámica de alta temperatura con Maximiliano Abiatti.
EXPOSICIONES DESTACADAS
Muestra individual, Malas Artes, CABA (2000, 2001, 2003). Muestra individual, Espacio Andahazi, CABA (2012, 2013). Sileo Gallery, CABA (2018). La pausa en el gesto, Valk Gallery, CABA (2022). NFT NYC (2024). Bitcoin Miami Conference (2022).
Nora Recepter
Argentina SEMBLANZA
Artista y docente especializada en pintura abstracta. Su práctica se centra en la investigación del color, la forma y la gestualidad como lenguajes fundamentales de la abstracción contemporánea. Desarrolla su obra entre Argentina y Europa, donde dirige un taller especializado en pintura abstracta.
FORMACIÓN
Formación en artes plásticas en Argentina. Artista y docente a cargo de taller especializado en pintura abstracta en Torroella de Montgri, Cataluña, España.
EXPOSICIONES DESTACADAS
Muestras individuales y colectivas en Argentina y España. Actividad docente continuada en talleres de pintura | abstracta.
Deby Staiff
Artista textil. Aprendió a bordar a los seis años. Tras 35 años de gestión cultural —fue creadora y productora general del BAFICI, directora de la productora Índigo— regresó al arte en 2019 de la mano del sashiko, técnica japonesa de borda- do nacida en el período Edo. Trabaja desde lo cartográfico, lo paisajístico y la abstracción; sus obras son mapas inven- tados, topografías bordadas que hablan del tiempo, la fragilidad y la fortaleza.
FORMACIÓN
Formación en bordado occidental desde la infancia. Técnica sashiko (bordado japonés, período Edo). Emprendimiento Sanagi Sashiko. Hija de Kive Staiff, director del Teatro San Martín.
EXPOSICIONES DESTACADAS
¿Hay viento en el Desierto? (instalación, Desierto de Atacama, 2023). De crisálida y vuelos de mariposa, Museo Nacion- al de Arte Oriental, CABA (2024). Alegato de lo sutil, Colección Rivarola — El Local, CABA (2026). Representada por Valk Gallery.
Valentina Grinspan
Pintora figurativa. Se radicó en Buenos Aires en 1998 donde desarrolló su práctica artística. Trabaja a partir de modelos en vivo y montajes fotográficos, explorando la mediación digital en la constitución de los imaginarios contemporáneos. Actualmente reside en Pilar, Provincia de Buenos Aires.
FORMACIÓN
Taller de María Elena Huygens (2002–2003). Taller de Mariana Pereyra, pintura al óleo y teoría del color (2006–2010). Taller Espacio Roux, Alejandra Roux, San Isidro (2018–2021). Maestría en Comunicación
y Creación Cultural, Fundación Walter Benjamin (2021–2022). Clínica de obra con Alejandra Roux (desde 2022). Taller de escritura con Silvia Gurfein (2024).
EXPOSICIONES DESTACADAS
XLVIII Salón Nacional de Artes Visuales, Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil (2020). Salón Provincial Florencio Molina Campos, Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, La Plata (2022).
